今年是中国交响乐团建团70周年。70年来，从经典作品的演绎到中国原创交响乐的探索，从培养专业人才到推动中华文化走向世界，中国交响乐团见证并参与了中国交响乐事业的发展。
站在建团70周年的新起点，中国交响乐如何走得更远？如何让更多人听懂并爱上交响乐？著名指挥家、中国音乐学院院长、中国交响乐团荣誉首席指挥李心草在接受《环球时报》记者专访时表示，中国音乐“走出去”不能只依靠一次次演出和短期“爆款”，更要借助交响乐这一具有全球通用性的艺术语言，让世界各地的音乐家都能演绎中国故事。
坚持交响乐中国化的道路
环球时报：站在70周年的节点，您如何评价中国交响乐团过去70年的发展？今天的乐团最应该传承和坚守的是什么？
李心草：从我第一次执棒中央乐团至今，已经整整35年，我亲身见证了乐团从中央乐团到中国交响乐团的一路发展。70载光阴里，乐团既系统演绎世界交响经典，也深耕交响乐民族化，涌现出一大批反映时代风貌的中国作品，是中国交响乐事业的重要基石。回望来路，我始终感念老一辈艺术家多年来给予我的关爱、提携与眷顾，这份传承十分珍贵。
我认为当下最应当坚守的：一是传承乐团老一辈留下的严谨敬畏的艺术品格，守住专业演奏的高标准；二是坚守扎根民族、服务人民的初心，坚持交响乐中国化的道路；三是保持开放包容，做好艺术普及与对外文化交流。
环球时报：面对今天越来越多元的音乐市场和年轻观众，中国交响乐团未来最希望在哪些方面实现突破？您心目中70周年之后的中国交响乐团，应该是什么样的？
李心草：面对多元音乐市场与年轻观众，未来乐团要重点在这些方面寻求突破：持续扶持打磨中国原创交响作品；在守住艺术本体的基础上创新演出和传播形式，拉近与年轻听众的距离；搭建平台，大力扶持青年演奏家和作曲家。
我心目中70周年之后的中国交响乐团，要延续中央乐团的精神底色，守正而不保守，创新而不浮躁。既能高质量诠释世界经典，也持续产出属于我们这个时代的中国交响精品；既扎根国内广大听众，也走向国际舞台，让交响乐兼具艺术高度与人民温度。
吸引更多国际艺术家参与中国题材创作
环球时报：贝多芬、莎士比亚的经典能够风靡全球，而不少中国优质音乐文化作品海外传播效果有限，您认为核心症结是什么？对此，国内交响乐团应该如何破局？
李心草：核心原因是中华传统文化的独特性、本土性极强，存在天然的传播壁垒。目前中国传统器乐、传统文化的传播，大多局限于国内创作者与国内舞台。像京剧、原生态民间音乐，其意境韵味高度依附本土语境，脱离原生场景后海外创作者很难还原其精髓，只能做到短期对外展演，无法让海外受众自主演绎、长效传承，实现全球化普及。反观贝多芬等西方经典音乐，之所以能风靡全球，核心是其演奏形式、艺术逻辑具备全球通用性，全世界的演奏者、乐团都能演绎、传播。
《梁祝》是目前中国交响乐作品中海外传播最广、演出频次最高的作品，全球几乎每天都有不同国家的乐团、演奏家演绎这部作品。但除《梁祝》《黄河大合唱》等少数作品外，兼具艺术水准与全球传播力的原创交响作品仍然稀缺，这也是当下中国交响文化出海最大的瓶颈。
因此，想要突破这一瓶颈，中国音乐文化的对外推广需要双向发力：一是坚守本土特色，深耕传统器乐与传统文化创作；二是打破文化与形式壁垒，依托交响乐这类全球通用的艺术语言，结合中国文化、哲学内核进行创作，让全世界的音乐人都能演奏、演绎中国题材作品，让中国文化真正扎根海外、实现长效传播。
环球时报：此前您策划并执棒过一场“西方作曲家笔下的中国音乐”音乐会，演绎德国作曲家创作的笙协奏曲《易经》，其在探索东西方文化融合方面具有怎样的意义？
李心草：这场音乐会的核心创作人是近80岁的德国作曲家恩约特·施耐德。他曾任德国作曲家协会主席、慕尼黑音乐学院教授，长期热爱并深入研究中国文化。他曾多次来华，除演出、创作外，还深入各地采风。不同于仅借鉴中国音乐元素的西方创作者，施耐德长期深耕中国题材，为二胡、笛子、笙等民族乐器创作了大量作品。他尤其钟爱笙，其独特音色和与西方管风琴相似的发声原理令他着迷。
此次演出的《易经》分为“震、坎、兑”三个乐章。施耐德虽然无法完全读懂中文原典，却深受其中意境吸引，并凭借多年电影音乐创作经验，以具象的音乐画面诠释自己理解的《易经》哲理。我们策划这场音乐会的核心初衷，是践行“古为今用，洋为中用”，探索东西方文化融合的新路径，借助西方专业作曲家的视角与创作手法，向世界推广中国音乐与文化，吸引更多国际艺术家参与中国文化题材创作。
国内音乐教育开始转向“技术之上的艺术升华”
环球时报：当下很多人通过将游戏音乐、流行音乐改编为交响乐，来普及交响乐，您如何看待这种创新形式？普通观众又该如何从简单知晓交响乐，走向真正喜爱它？
李心草：流行音乐、游戏音乐的改编虽然具有一定的创新性，但只能作为大众接触交响乐音色的入门窗口，属于浅层普及，观众感受到的内核依旧是原作，很难借此理解交响乐本身的艺术本质。交响乐的普及没有捷径，它有着严谨完整的艺术体系，需要循序渐进地传播。
想要让观众从“知晓”转向喜爱与热爱，核心还是依靠交响乐自身的艺术魅力，用作品本身打动听众。我们此前打造的纪念聂耳原创合唱剧就是很好的例子，全程采用聂耳本人的音乐作品叙事，让观众沉浸式感受音乐内核。
各类浅层的普及手段只能停留在认知层面，只有深度感受经典作品本身的艺术内核，才有可能真正爱上交响乐。当然，艺术审美本就因人而异，不是所有人都会喜欢交响乐，这也是正常的艺术生态现象。而我当初被交响乐吸引，也正是源于作品纯粹的声音魅力与艺术内核。
环球时报：业内常有观点认为，国内音乐院校重技术、轻艺术，您如何看待当下中国专业音乐教育的现状？
李心草：重技术、轻艺术是国内音乐教育发展过程中的必然阶段，目前这一现象已经在逐步改善。中国专业音乐教育起步较晚，真正自主发展的历史较短，相较于西方成熟的音乐教育体系，存在明显差距。早年我们意识到技术短板后，行业便集中发力技术训练，从专业院校到普及教育，都形成了重技术的培养模式，这是补齐基础短板的必经之路。经过数十年的深耕，国内音乐学习者的技术水平已大幅提升，目前行业已开始转向“技术之上的艺术升华”，更加注重情感表达、艺术理解、文化积淀的培养。
音乐艺术的成长有三个境界：从无技术，到练就扎实技术，再到弱化技术、融技术于无形。教育的终极目标，是让学生学会将技术内化于心、外化于形，让观众看不到刻意的技术展示，只感受到纯粹的艺术表达，这也是艺术修养的最高境界。
环球时报：您曾担任中国交响乐团团长，如今兼具指挥家和院校校长身份，这些身份带给您怎样的人生体验与观察视角？
李心草：如果可以重新选择，我更愿意一辈子只做学生、深耕音乐本身，专注于纯粹的艺术创作与演绎。团长、校长的身份，意味着大量繁杂的事务性工作，会占用大量深耕艺术的时间与精力，存在诸多人生遗憾。
但不可否认，这些身份也带来了全新的体验。纯粹的艺术工作，是实现个人艺术价值；而管理、教育工作，能够培育青年人才、打造优质艺术作品、搭建艺术传播平台。看着自己培养的学生成长成才股票配资在线论坛，看着团队打造的作品落地传播，这种成就感、价值感，是个人艺术演绎无法替代的。虽然伴有遗憾，但这种多元的人生体验，让我的艺术人生更加完整，也更有意义。
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